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《巴洛克艺术+哥特艺术》

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巴洛克艺术+哥特艺术封面
书    名
巴洛克艺术+哥特艺术
作    者
[德]罗尔夫托曼
译    者
 
页    数
 
ISBN
 
出版社
 
出版日期
2013-03-01
字    数
 
标    签
巴洛克艺术+哥特艺术

目录

  1. 1前言
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内容简介

*权威的介绍、*精细的制作 *套由世界20大艺术殿堂参与制作、联名推荐的艺术巨作。专业摄影团队实地进入世界*艺术殿堂拍摄。德国权威团队10年打造,成就有史以来*为详尽哥特不朽巨著 *完备详实的论述 欧洲著名艺评家、教育工作者与众多博物馆馆长共同编写,长达80万字,共1136页的专业阐述及详尽说明,*完整展示哥特艺术的前世今生。 *丰富全面的展件收藏 60个艺术殿堂,百余个展厅、超过1000张图片隆重呈现,让您不用出门,就能悠游于书海中的艺术殿堂 壮观的大开本设计,*震撼的视觉冲击 世界上介绍巴洛克、哥特艺术*的书——29cm*40cm,让艺术品的所有细节真实呈现,多幅极致110cm宽幅拉页震撼展现,170磅超净白雪纺铜版纸精印,点燃一场视觉饕餮盛宴,让艺术品的所有细节真实呈现。

*权威的介绍、*精细的制作
*套由世界20大艺术殿堂参与制作、联名推荐的艺术巨作。专业摄影团队实地进入世界*艺术殿堂拍摄。德国权威团队10年打造,成就有史以来*为详尽哥特不朽巨著
*完备详实的论述
欧洲著名艺评家、教育工作者与众多博物馆馆长共同编写,长达80万字,共1136页的专业阐述及详尽说明,*完整展示哥特艺术的前世今生。
*丰富全面的展件收藏
60个艺术殿堂,百余个展厅、超过1000张图片隆重呈现,让您不用出门,就能悠游于书海中的艺术殿堂
壮观的大开本设计,*震撼的视觉冲击
世界上介绍巴洛克、哥特艺术*的书——29cm*40cm,让艺术品的所有细节真实呈现,多幅极致110cm宽幅拉页震撼展现,170磅超净白雪纺铜版纸精印,点燃一场视觉饕餮盛宴,让艺术品的所有细节真实呈现。
*耗时费力的极致精美印刷品质
全球排名前五的*印刷团队、C&C七色缎面光印刷及手工装订,引进国际首创透明书衣设计,大陆*独家上市。
*限量典藏
集结各领域专家精心出版,制作规模浩大,全球同步印刷,限时限量,首度开放国际中文版,大陆地区限量2000册典藏。


《巴洛克艺术》
“巴洛克”是17世纪显赫一世的艺术风格,在欧洲文化史中,其上溯文艺复兴,下接古典、浪漫时期,是欧洲乃至人类文明*辉煌的一页。而巴洛克艺术,以其恢弘富丽的风格和精湛的技艺,长久以来甚至成为普罗大众心中欧洲古典艺术的代名词。

在资深编辑、独立出版人罗尔夫·托曼地带领下,他的团队开始了一段长达10年的巴洛克艺术探微之旅。这部重达12斤的超大开本著作,以全新的视角,将巴洛克艺术详尽地介绍给每一位艺术狂热的爱好者。作者用漫谈式的笔法勾勒了巴洛克艺术的全貌,娓娓道来,阐述了建筑、绘画、雕塑等艺术流派之间的内在关系并呈现了其文化美学价值。围绕历史与社会,政治与文化,宗教仪规与世俗生活,向人们完整呈现了巴洛克时代的盛世景象。

尤其值得一提的是本书的摄影图片,摄影大师阿希姆·贝德诺兹怀着满腔热情、以其严谨的拍摄态度,用他的相机记录了这些艺术品*原初的、甚至是已经绝版的画面。他采用极其复杂先进的数码拍摄技术,*限度还原了艺术品的原貌,迅速带领读者进入巴洛克世界之中。

本书是德国专业摄影团队十年心血之作,书中近700幅精美图片,详尽的艺术文化史梳理,以前所未有的规模,全面系统地呈现出巴洛克时期绘画、雕塑、建筑、工艺等各个方面的成就,引领读者游历巴洛克艺术世界,探知那宗教激情与尘世享乐、技术理性与迷狂感官的谐和之境,并解读那华丽不可方物的奢华风格背后,人性的欲求与神性的光芒。

《哥特艺术》
在资深编辑、独立出版人罗尔夫·托曼地带领下,他的团队开始了一段关于哥特艺术长达10年的漫长旅程。这部重达12斤的超大开本著作,以全新的视角,将中世纪哥特艺术详尽地介绍给每一位艺术狂热的爱好者。尽管谈论起这一时期,作者谈论建筑风格的时间要比装饰艺术久,谈论宗教艺术的时间要比世俗文化多,但无论是夏特尔大教堂、兰斯大教堂亦或是卢昂大教堂在本书中都并非是了解哥特艺术*的线索,宗教木板绘画、圣母玛利亚的雕塑、彩色玻璃窗、祭坛屏风及其背后的文化同样是本书重要的一部分。作者以学术及批判的角度阐述了建筑、绘画、雕塑等艺术流派之间内在的相互关系并再现了其美学价值,围绕历史与社会,宗教文化与世俗生活,艺术家与艺术品之间的关系,向人们完整讲述了以基督教为核心的中世纪哥特艺术逐渐向以人为本、表现世俗生活的文艺复兴前期艺术演变的过程。

正如这本书的编辑所言:“ 本书旨在向人们传达哥特艺术以一种极其生动的组织形式,将读者带进这段历史及艺术当中,甚至超越现实让人仿佛身临其境一般。”

而摄影师阿希姆·贝德诺兹怀着满腔热情、以其严谨的拍摄态度,用他的相机记录了当时这些艺术品*初的画面。他采用极其复杂先进的数码拍摄技术,*限度还原了艺术品的原貌,迅速带领读者进入一个几乎被人遗忘的哥特世界中。

全文目录

《巴洛克艺术》 前言 主佑罗马与世界 罗马,基督教世界的典范 重建永恒之城 艺术服务于信仰:圣彼得大教堂 圣彼得大教堂的雕塑 富有动感的立面,幻觉的空间:罗马建筑师对教堂建筑的重构 四喷泉圣卡洛教堂 圣伊夫教堂 彼埃特罗·德·科尔托纳的创造性空间 拉特兰教堂的扩建 反宗教改革的形象 丁托内托的《最后的晚餐》

《巴洛克艺术》
前言
主佑罗马与世界
罗马,基督教世界的典范
重建永恒之城
艺术服务于信仰:圣彼得大教堂
圣彼得大教堂的雕塑
富有动感的立面,幻觉的空间:罗马建筑师对教堂建筑的重构
四喷泉圣卡洛教堂
圣伊夫教堂
彼埃特罗·德·科尔托纳的创造性空间
拉特兰教堂的扩建
反宗教改革的形象
丁托内托的《最后的晚餐》
耶稣会第二教堂与反宗教改革的教堂内部
圣伊格纳西奥与基督画传
天主教信仰的发展:新世界的教团与改宗
作为艺术赞助人的教皇
从宫殿到陵墓
法尔内塞长廊壁画
巴尔贝尼宫湿壁画
教皇肖像
艺术表达的新形式:自然主义及其影响
色情与狂喜,奉献与拒绝
对古物的渴望:阿尔卡迪亚之梦
宏伟的圆顶和壮丽的空间:教堂建筑的景观
卡利格纳诺和布拉
古典主义倾向:法国教堂建筑
巴黎和凡尔赛
伦敦圣保罗大教堂:与罗马的圣彼得大教堂相匹敌
语言的力量:新教建筑
德累斯顿的弗隆教堂和汉堡的米迦勒教堂
半木制的神殿:波兰的新教“和平教堂”
虔诚的奥地利:萨尔斯堡和维也纳的宗教艺术
色彩大师:弗兰茨·安东·马伯茨
从维尔茨堡到布拉格:迪恩茨霍夫建筑师家族
小夸特的圣尼古拉斯教堂
布拉格的洛雷托神殿
官能和智力的盛宴:阿尔卑斯地区的教堂和修道院
艾因西德伦和圣加伦
施坦豪森和伯瑙的朝圣教堂
灰泥塑杰作
维斯教堂
巴塔萨·纽曼与内勒斯海姆修道院
富有灵感的敬畏和升华的信仰
神的剧院:宗教建筑及其装饰
乌尔姆-维普林根
瓦尔德萨森
布拉格,斯特拉霍夫修道院
维也纳的奥地利国家图书馆
科英布拉大学约翰国王图书馆
知识的堡垒
修道院、宫廷和大学的图书馆
向往来世
葬礼和丧葬文化
死神的舞台
布拉格圣维特大教堂内波穆克的圣约翰墓
维也纳圣方济各教堂皇家拱顶下的查尔斯六世墓
弗朗索瓦·吉拉尔东
安托万·柯塞沃克
让-巴蒂斯特·皮嘉尔
路易·弗朗索瓦·胡比里亚克
约翰·乔治·维兰德和约翰·乔治·杜尔(迪尔)
繁荣与显赫:立面装饰和雕塑化建筑
醉人的金色和迷人的木雕
圣家堂和圣器收藏室
圣山:“新耶路撒冷”之路
艺术与礼拜仪式:教堂用具
祭坛与祭坛装饰
维森海里根的 14位圣使徒神龛
神的语言塑像:布道坛
维恩加登
艺术交响乐中不可或缺:管风琴
唱诗班席位
痛苦与怜悯:基督和使徒的形象
作为舞台的教堂内部:阿萨姆兄弟的作品
两位大师的作品:帝王的修道院和信仰的堡垒
梅尔克的本笃会教堂
哥特韦戈的本笃会修道院
林茨附近圣弗洛林的奥古斯丁圣迹
尤金厅中的礼仪床
宇宙的镜子
住宅,宫殿和凉亭
从圣殿到世俗的宫殿:艾斯科里亚豪华的圣洛伦佐
太阳王的统治
子爵城堡
罗浮宫
万宫之宫:凡尔赛和它的园林
镜厅(大长廊)
战争厅
海格里斯厅
太阳王的表演
安德烈·勒·诺勒和凡尔赛园林
阿波罗的沐浴
特里农
宫廷艺术家和他的职责
委拉斯贵支
彼得·保罗·鲁本斯和美第齐组画
安东尼·凡·戴克
作为象征和幻象的宫殿:维也纳、维尔茨堡、卡塞塔和圣彼得堡
维也纳的美泉宫
上观景楼
弗图,艾斯特哈兹宫
维尔茨堡主教宫
帝王厅
卡塞尔塔王宫
圣彼得堡的冬宫,俄罗斯沙皇的府邸
王室的消遣:悦宫与猎宫
韦伯斯特城堡,波莫斯非尔得
布鲁尔的奥古斯图斯堡城堡
波茨坦的桑苏茨宫
大理石厅
音乐室
客房的装饰
中国茶亭
德累斯顿,茨维格尔宫
霍夫罗斯尼兹
慕尼黑的阿曼里安堡
斯图匹尼基猎宫
克莱门斯维斯猎宫
浮夸与舒适:城市的宫殿与别墅
布拉格的城市宫殿
都灵的贵妇宫
法国的大厦和洛可可
明斯特:艾勃多斯特霍夫
本菲卡的伏龙特里拉宫
闪光的瓷砖庄园
阿雷尔城附近的马突斯的太阳宫
果壳里的世界
如同缩微世界般的博古架
巴洛克的城市规划
几何和权力
罗马的广场和喷泉
美化罗马
皇家的都城和规划的城池
艺术品和古玩的宫廷收藏:收藏室和多宝阁
德累斯顿的绿穹珍宝馆
约翰·迈尔修·丁零格,奥古斯都大力王的皇家珠宝匠
视觉的盛宴与知识的载体
木板油画:建立绘画的古典范型
历史画:最崇高的地位
新视角下的救赎:卡拉瓦乔
痛苦和尊严:鲁本斯的《基督下十字架》,安特卫普
战争的恐怖
耶稣的痛苦:伦勃朗的《基督下十字架》
伦勃朗的《旧约》故事
情感和禁欲:西班牙绘画
何塞·德·里贝拉—小西班牙人
狂喜和静默:弗兰西斯科·德·苏巴朗
委拉斯贵支:《布列达的投降“长矛”》
技艺的礼赞:《纺织女工》
法国大师:乔治·德·拉图尔
西蒙·乌埃
厄斯塔什·勒絮埃尔
在启蒙运动的照耀下:18 世纪的历史画
人的新形象:肖像、自画像和群像
自画像
艺术家和他的家人
私人艺术家:18世纪的肖像画
鲁本斯和伦勃朗笔下的女人
伦勃朗:《夜巡》
理想和牧歌:托马斯·庚斯勃罗和约书亚·雷诺兹
理想化和对自然的观察:欧洲的风景画
理想化的风景
荷兰风景画
附录:作为风景画家的鲁本斯和伦勃朗
阴郁的画面:雅各布·凡·雷斯达尔
结构的风景:迈因德特·霍贝玛
海景
异国情调和研究自然
建筑画和“维都塔”
扬·维米尔的《德尔夫特风景》
卡纳莱托和“维都塔”
贝尔纳多·贝洛托和德累斯顿景色
罪恶、愉悦和怪诞:风俗画
格里特·凡·洪特霍斯特
扬·斯汀
皮特·德·霍赫
有深度的画面:扬·维米尔
佛兰德斯风俗画:雅各布·约丹斯
乔治 · 德 · 拉图尔和法国的明暗对照法绘画
西班牙绘画中的现实主义和风俗
扬-艾蒂安·利奥塔尔的《美丽的巧克力店主》
威廉·荷加斯的《时髦婚姻》
视觉的盛宴和必死命运的暗示:静物
埃瓦里斯托·巴斯奇内斯的音乐静物
“波德格涅斯”
扬·戴维茨·德·赫姆的甜食静物
威廉·考尔夫的观赏性的静物
猎物静物
动物画
让-巴蒂斯-西美翁·夏尔丹和 18世纪的静物画
浮华静物
华丽的人物,私密的画面:洛可可绘画
安东尼·华托的 “雅宴体绘画”
安东尼·佩斯尼
弗朗索瓦·布歇
扬-奥诺雷·弗拉戈纳尔
永恒的现在
世俗性的雕塑
乔洛伦佐·贝尼尼和雕塑艺术的复兴
骑马像
柏林军械库的装饰性雕塑
从纪念性雕塑到个性头像:肖像和胸像
个性头像
日用的珍品
实用美术, 家具、地毯、瓷器
更精致的生活与文化一同闪耀:家具和室内装饰
爱情场景,奢华的物品
瓷器—或者“白色的金子”
附录
《哥特艺术》
神圣意图的高度体现
城市、城堡、大教堂及建筑师的竞争力

城堡
卡尔斯坦古堡
有关宗教仪式的建筑
作为表现工具的大教堂
大教堂在城市的竞争者托钵修会
宗教仪式建筑的共生类型
皇宫里的小礼拜堂
巴黎的圣礼拜堂
里翁的圣礼拜堂
英国国王的小礼拜堂
视觉艺术中增强的情绪表现
写实主义和宗教题材
艺术家的智慧
大教堂的基准和规范
教堂:紧密联系在情感与工艺技术之间的社群项目
为国王而建的教堂
哥特建筑的起源
巴黎圣母院
首都的大教堂
卢昂圣母院
力与美
夏特尔
哥特式大教堂的缩影
布尔日
像宇宙的大教堂
理姆斯大教堂
法国国王举行加冕典礼的教堂
亚眠
大教堂及其建筑师们
法国南部的大教堂
艾伯塔:圣希尔大教堂
西班牙的大教堂
文化变迁中心
托勒多
里昂
马略卡岛帕尔玛港大教堂
英格兰的大教堂
合理与豪华的建筑组合
神圣罗马帝国的大教堂
从艰难调整到超越法国的范例
马德格堡大教堂:创新与传统
斯特拉斯堡
科隆
布拉格圣维特大教堂
国王的大教堂
维也纳的圣斯蒂芬大教堂
从地区教堂变成大教堂
奥维多大教堂
如艺术品的大教堂
西妥会与托钵修会的哥特式建筑
以大教堂为准则
西妥会教堂与隐修院
唱诗班的席位:礼拜之地,教会象征
西妥会教堂的窗户
肖林
托钵修道会的教堂
葡萄牙巴塔利亚修道院
都会教区的礼拜堂
大教堂的传统
巴塞罗那的海上圣母玛利亚教堂
德国吕贝克的圣玛利教堂
斯塔加德与但泽
荷兰:教区与修道院教堂转变成为大教堂
地方官庇护下的都会教区教堂
古腾堡的都会教区教堂

城市——文化交流与演进的场域

城墙与城门、市政厅和教堂、皇宫和民宅——皆为城市面貌的缩影
城市:防御完整的场域
防御工事、城墙、城门
对内一致、对外和平,乃至高美德
神圣、权力与社群精神
城市的自我呈现
市政厅
中央与标志
威尼斯总督宫
入世教堂:佛兰德斯式市政厅
神的启示·人的忠告
西班牙历史转变的过渡期
城市医院
社群精神的核心与展现
介于城市与宫廷之间
财政大臣雅各·柯尔的布尔日豪宅
佛罗伦萨的达凡扎蒂宫
公共与私密生活:圣吉米纳诺市长室内的壁画
作为皇家包厢的国王阳台:黄金屋顶
汉萨同盟地区的连栋房屋
宫廷与骑士的视界
风格化与写实性
城堡的年代
塔式宅邸与城堡建筑
爱尔兹堡
奥斯塔山谷里的城堡
战场人生
城堡与狩猎
狩猎宝典——仪式与自然研究
和谐的梦想
贵族与农民的团结合作
意大利特伦托的鹰塔
家具与挂毯
实用性与装饰性
仕女与独角兽
宫廷生活
书中的古典世界
《马内塞古抄本》
宫廷社会的理想形象
《丰饶的日课经》

教导、感动和欢愉

正门、教堂陈设和宗教仪式制品
正门
图像布道的地方
夏特尔大教堂:西面正门
亚眠圣母大教堂:西面正门
理姆斯圣母大教堂的西面正门
洛桑大教堂的正门彩绘
夫里堡大教堂的西面正门
卑尔内修道院附属教堂的西面正门
多罗和巴塔利亚
教堂摆设I
祭坛与祭坛屏风
圣母加冕
锡耶纳大教堂的《庄严》
祭坛屏风是城市的缩影
锡耶纳和圣母
“家中圣母”
向圣母致敬
多特蒙德, 圣母玛利亚教堂的祭坛屏风
笃信宗教国际化和情感世界
根特的祭坛画
人间天堂
《艾克斯圣告图》
三联画侧翼上的《最后的审判:天堂之路和堕落的诅咒》
鲁汶圣彼得教堂的《最后的晚餐》祭坛屏风
波提纳里的祭坛屏风:发自内心地朝拜耶稣
来世象征的祭坛艺术
晚期哥特式祭坛屏风
圣沃尔夫冈的主祭坛
克拉科夫:圣母玛利亚大教堂的祭坛
布劳博伊伦的主祭坛屏风
凯弗马克特祭坛的祭坛屏风
罗滕堡的圣血祭坛屏风
圣母玛利亚教堂的克雷格林根祭坛屏风
纽伦堡
史托斯在圣塞巴德教堂与圣劳伦斯教堂的主要作品
教堂陈设II
马赛克及壁画
马赛克:珍贵的创作媒介
壁画:阿西西的圣方济各会
下教会
佛罗伦萨旧圣塔玛利亚诺维拉教会分会教堂的湿壁画
帕多瓦圣安东尼奥教堂圣菲利斯湿壁画
教堂陈设III
石材建筑内的布道——圣坛屏风、讲道坛、圣墓
瑙姆堡大教堂的圣坛屏风
哥特晚期圣坛屏风
意大利的哥特式讲道坛
尼古拉及乔凡尼的作品
哥特晚期的讲道坛
康士坦茨:《圣墓》
覆盖圣物
圣骨匣、圣餐仪式的器具、宗教仪式用悬挂物
圣餐仪式的器具
宗教仪式用悬挂物
与上帝同在,与圣徒同行
典范的说服力——生活及艺术
启示录威胁
宫廷画与圣徒像的教化
《茵格宝诗篇》
《圣路易诗篇》
痛苦与同情
作为典范的《基督受难》
十字架上受难
哀悼基督
圣墓
“虔诚”的特殊形式
女修道院的默祷景象
基督生活的宫廷变体:贵重材质上的情感塑造
雕塑品与装饰品之间:文饰富丽的圣坛组塑
个人虔诚的媒介
虚构与现实
超越现实之美
哥特时期中期与晚期的圣母像
美丽圣母
荷兰的《家中圣母》
彰显今世虔诚信仰,以为来世预做准备
从建筑、雕塑和插图寻找宗教的根基及展示
永恒的记忆
王储和高级教士的墓龛
格洛斯特和温切斯特
教宗墓龛呈现出的教会意象
王朝的形势和个人的命运
国王彼德一世与他的情妇伊内丝的墓地
尚穆尔卡尔特修道院
灵魂救赎的艺术
救赎灵魂的绘画
乔托在帕多瓦的湿壁画
梦想和希望
写实主义者的理想
贝里公爵极美日课经
以图像为证
扬·凡·埃克的委托人
伯尔纳的《最后审判》祭坛画
哥特艺术的新媒介
玻璃彩绘、绘画及版画诠释出宗教精神、象征图像及艺术
绘画艺术的源头与发展
夏特尔
设计和叙事
捐赠者的公开展示和隐约显现
玻璃彩绘与镶板彩绘
绘画成为艺术
阿尔布雷特·丢勒
近代早期的版画大师
《启示录》
当建筑和雕刻成为艺术:后哥特时期的艺术家与艺术
后哥特时期的艺术与艺术家
写实艺术对祝祷者的启示
永生与经验主义
早期肖像画
让·富盖:肖像画大师
自我探索和自我描绘
阿尔布雷特·丢勒的自画像
艺术的反思与忧郁精神
后哥特时期的建筑细节
花饰窗格、装饰形式、尖塔、拱顶
花饰窗格与装饰形式
透洞尖塔
柱基与拱顶
理论与实践:文艺复兴初期的后哥特式拱顶
永恒的和谐之美
布雷斯昂布尔格的礼拜堂
哥特形式中的古典语言艺术
伊森海姆祭坛画
附 录

在线阅读

《巴洛克艺术》 作为艺术与戏剧的巴洛克世界 巴洛克艺术不断发展并呈现出两极化的趋势。在数年之前,巴洛克艺术还被认为是一种浮夸的、极难理解甚至是荒谬的风格。人们通常认为,巴洛克艺术开端之年代也就是从反宗教改革到法国大革命的250年间,是极为动荡的时期,且对于现代研究没有意义。然而如今这种对于巴洛克时代的观点已经动摇。我们认识到了巴洛克文化的复杂性,并开始以欣赏的眼光来看待这个时代。 巴洛克时代几乎可以被看作是全球化的先声。基督教会和欧洲的统治者们在寻求探险并取得了对世界上已为人所知的4个地区的支配权—他们的好奇心如同对权力的欲望一样无限膨胀。传教士、商人和探险家的足迹遍及海陆。他们所收集到的东西备受赞赏,并被展览、买卖,或者作为礼物馈赠。技术和自然科学在飞跃发展,同时,从无数的肖像画也可以看出当时人们对于个人内心的探索。 这个时代的“新媒介”—文字与图像的印刷在新旧大陆传播着知识。不同文化和宗教的碰撞产生了融合,也构成了大陆之间的桥梁。与异国的风土人情的邂逅改变了欧洲人的生活方式—没有什么比18世纪横扫欧洲的咖啡热、郁金香狂,以及各种中国时尚更有力的证据了。 生活在巴洛克时代的人们相信,他们充分认识到的世界本身就已经是一件艺术品。珍贵的太阳系仪、地球仪和星象仪显示出它们观众的世界观和智识范围。这些设施使观察天体运行的轨道、时间的转换以及追溯围绕地球的行星运行成为可能。自然物和人工制品的收藏井然有序,珍宝柜中的文玩奇珍反映着宇宙的结构,自然物表现着神的创造,而人工制品则是人类的造作。艺术家从未试图用绘画来赞美大地之主和所有异国的珍奇和植物。在这里,艺术,无论是造型艺术还是表演艺术都担任着双重角色。它们的任务是烘托统治者的辉煌,同时传达出意识形态的信息。它们构成了剧院的羽翼,造成了一个秩序井然的完美世界的幻象。在这方面没有什么比教堂和宫殿的天顶透视画更贴切的例证了。在那里,一个虚幻的世界在真实的世界之上敞开,展示出天上王国的景象,在这里,神与人完美和谐地聚集一堂。 带着无尽的矛盾,世界作为舞台这一隐喻弥漫在整个巴洛克时代。外观与现实,浮华与禁欲主义,力量与虚弱都是这个时代恒常的矛盾。唯一确定的是:奇观作为自我赞颂,是每个巴洛克时期统治者的政治需要,无论是教皇还是国王。所有重要的仪式都为这个“世界剧”提供了一个舞台,都可以看作一种高度秩序化的反映。

《巴洛克艺术》
作为艺术与戏剧的巴洛克世界
巴洛克艺术不断发展并呈现出两极化的趋势。 在数年之前,巴洛克艺术还被认为是一种浮夸的、极难理解甚至是荒谬的风格。人们通常认为,巴洛克艺术开端之年代也就是从反宗教改革到法国大革命的 250 年间,是极为动荡的时期,且对于现代研究没有意义。然而如今这种对于巴洛克时代的观点已经动摇。我们认识到了巴洛克文化的复杂性,并开始以欣赏的眼光来看待这个时代。
巴洛克时代几乎可以被看作是全球化的先声。基督教会和欧洲的统治者们在寻求探险并取得了对世界上已为人所知的 4个地区的支配权—他们的好奇心如同对权力的欲望一样无限膨胀。传教士、商人和探险家的足迹遍及海陆。他们所收集到的东西备受赞赏,并被展览、买卖,或者作为礼物馈赠。技术和自然科学在飞跃发展,同时,从无数的肖像画也可以看出当时人们对于个人内心的探索。
这个时代的“新媒介”—文字与图像的印刷在新旧大陆传播着知识。不同文化和宗教的碰撞产生了融合,也构成了大陆之间的桥梁。与异国的风土人情的邂逅改变了欧洲人的生活方式—没有什么比18世纪横扫欧洲的咖啡热、 郁金香狂,以及各种中国时尚更有力的证据了。

作为研究对象和艺术品的世界
生活在巴洛克时代的人们相信,他们充分认识到的世界本身就已经是一件艺术品。珍贵的太阳系仪、地球仪和星象仪显示出它们观众的世界观和智识范围。这些设施使观察天体运行的轨道、时间的转换以及追溯围绕地球的行星运行成为可能。自然物和人工制品的收藏井然有序,珍宝柜中的文玩奇珍反映着宇宙的结构,自然物表现着神的创造,而人工制品则是人类的造作。艺术家从未试图用绘画来赞美大地之主和所有异国的珍奇和植物。在这里,艺术,无论是造型艺术还是表演艺术都担任着双重角色。它们的任务是烘托统治者的辉煌,同时传达出意识形态的信息。它们构成了剧院的羽翼,造成了一个秩序井然的完美世界的幻象。在这方面没有什么比教堂和宫殿的天顶透视画更贴切的例证了。在那里,一个虚幻的世界在真实的世界之上敞开,展示出天上王国的景象,在这里,神与人完美和谐地聚集一堂。

全世界的舞台
带着无尽的矛盾,世界作为舞台这一隐喻弥漫在整个巴洛克时代。外观与现实,浮华与禁欲主义,力量与虚弱都是这个时代恒常的矛盾。唯一确定的是 : 奇观作为自我赞颂,是每个巴洛克时期统治者的政治需要,无论是教皇还是国王。所有重要的仪式都为这个“世界剧”提供了一个舞台,都可以看作一种高度秩序化的反映。

没有人比卡尔德隆·德·拉巴尔卡(Calderon de La Barca)更准确地捕捉到巴洛克时代的精神。他的寓意剧《伟大的世界剧场》于 1645 年演出,在其中,这个西班牙剧作家将古代的俗话“生活是一场戏”运用于他的时代。人类在天父、天神面前像一个演员一样表演。他们表演的戏剧便是自己的生活,他们的舞台就是整个世界。在整个剧中,“世界”提供给每个演员适合他或是她身份的道具,无论是国王还是乞丐。演员穿过一个门进入舞台,即“摇篮”,通过另一个门而退出,就是“坟墓”。“演员”在“退场”的时候很感人,他们发现很好地扮演了自己的角色。这一戏剧性的时刻会决定巴洛克的“演员”对“幻觉”与“消失”的体验程度,这在彼得·波埃(Pieter Boel)的绘画中得到了完美的表达。在卡尔德隆的戏剧中,乞丐和智慧没有屈服于骄傲和虚荣,只有他们切中了剧中的道德教益,并摆脱了诅咒。大幕落下,所留存下来的唯有“四骑士”:死亡、审判、天堂与地狱。社会充满着生命存在的恐惧感,因而,毫不奇怪,箴言“铭记死亡”成为这个社会的主调。关于这个问题在法国画家普桑(Nicolas Poussin)的著名作品《我也曾在阿尔卡迪亚》里最为充分地表现出来。巴洛克时代华丽的静物画中始终隐藏着生存在本质上的虚幻感,这绝非偶然。

修辞学与观念
巴洛克艺术强调观者的直接性,它的工具是修辞学。自古以来,修辞学既代表着艺术上有效的言说或书写技巧,直到18 世纪末都被认为是普及教育中一个必不可少的部分。修辞学呈现了言说者与倾听者之间的交流规则。它决定着传达信息让观众接受的方式,无论是通过感动来刺激还是疏离观众。的确,这些技巧同样是解释巴洛克艺术的基础。它也同样适用于历史题材的壁画和雕塑—比如,贝尼尼(Bernini) 的《路德维科·阿尔贝托尼之死》,在其中,入迷与狂喜被表现为极度强烈的兴奋情绪。艺术作品也如描写的那样,清楚地表现出“欣喜与感动”。
建筑也遵守修辞学规则的定义。柱式要适应特定的目的,无论是教堂内部、宫殿立面,或者公共广场都应该运用某种建筑表现的准则:这些在细节上都有规定。比如,粗短的、看起来沉重的多利亚柱式被认为适用于供奉男性圣徒的教堂和军事首领的宫殿。同时,学者的住宅往往采用爱奥尼亚柱式来装饰。巨大的柱子支撑两层或更多层的建筑,从米开朗琪罗以来就被视为最高贵的标志。在宫殿建筑中,房间的透视结构和空间成为最关键的因素。比如,仪式性的楼梯,作为一个开放性的通道和跨越空间的桥梁,在凡尔赛宫是穿越房间和庭院的结构,也是提供导向性的平台。如同一个好的演讲者,引领着听众从一种体验走向另一种体验。
这样严格的编排要以一个很好的规划概念为前提,就好像这样的规则只能由饱学之士们才能给出。因而,无论是教会领袖还是世俗君主,有时也包括艺术家自己,常会召集诗人、朝臣,偶尔也有教士,让他们前来提供“创意”或细节上的建议。才智的奉献被视为艺术作品的基础,很少有艺术家的设计来源于自己的“观念”。采用这一聪明的办法,意味着他们能够避免自己眼界的局限性。

《哥特艺术》
哥特式——图像中的情感、想法及生活形态

“我们的心总是处在忙碌状态,而且不幸的很少全然独处,所以人类创造图像以寻求内在的抚慰。因此,当我们亲眼目睹一幅绘画作品时,总会触及内心深处并将那份感动反映到我们眼前的作品上。”

以上文字被记载于一份13世纪最受欢迎之一的中世纪布道书中,自13世纪起至15世纪晚期不断地被引用。本书所谈论的时间正好切合这段话受欢迎的时期:哥特时期。这段时间,如前段文字所述,是以视觉为主的时代,关于这段时期讨论的文字不少,但更多是通过图像来帮助传达。这本书的目的就是要充分发挥视觉文化的优势,来帮助读者阅读作品。当拿起这本书时,你已被邀请让自己专注在这些图像上,用一颗开放的心来欣赏它,但同时也请集中精神并且发挥批判精神。

这些图像并不简单,因为它们不只是为了娱乐意义或说故事的图案罢了,而是经常传达思想与论点。当然这里所指的图像不单单是绘画,也包含雕塑和建筑甚至整个城市和景观,也就是那些已经过巧妙而艺术化的设计的图像。特别是在那图像导向的年代,那些受委托画家的创作总是与自身特定的利益和期望绑在一起,包含了普世教会或政府机构关于个人救赎的自我推销。这也是为什么本书一再提及图像的意义和功能问题的原因。

为什么图像和绘画表现在中世纪中、晚期竟有如此重大的意义,以至于可延伸至全社会,而在此之前的时代,图像文化却毫无意义,或者仅被少数特定圈子的人重视?

究其原因,观点多有分歧,并无定论。一个说法就是哥特时期,由于人口增长及财富增加以及一些其他因素,越来越多的人发现自己在社会中扮演的是发表意见的角色。因此尽管其中常有利益冲突的个体,但为了维持社会的稳定,阶级或群体沟通变得十分重要。艺术在其中扮演了重要的角色,因为它的地位在所有视觉工艺之上,而且可长久地表明特定的想法和抱负。因此城市的墙和塔就不只具有保护作用,也协助表达保护作用的内在存在性,一座盖在山上的城堡不只是为了军事考虑,也是衡量了视觉的景观。建筑艺术便成为了空间艺术。

大教堂,就像大教区的教堂或是托钵修会的教堂一样,都是基督教群众人数最多的地方,从它们的建筑和装饰可以看出其基督信仰。通常它们的外在建筑提供了和谐的古迹印象,而室内则分为神职人员及信徒的空间。更多的区别则在两部分,一是主祭坛的空间,构成了一个让所有人都必须看见的中心;二是局部的区域中不仅能让不同类的信徒参加礼拜,还能庄严地行进,比如使人从入口快速通过进入小礼拜堂。现今在西班牙的大教堂能很轻易地观察到仍留有特别的通道,是保留给大教堂的教士来往中间有段距离的祭坛与唱诗班用的。此外,团体聚会和个人礼拜也是沿大教会的中心区域所聚集。

教堂的内部是很特别的结构,让不同的群体各自有专属空间,也让他们彼此间能直接或借由图像沟通。由于建筑是许多图像媒体:如祭坛屏风、雕塑、墙和玻璃镶嵌、圣物箱、弥撒用书等等摆放储存及陈列的地点,这些图像媒介虽然展陈方式不同,但都是公开的。主领唱诗班的彩绘玻璃内容与圣经的祈祷画有关,循环的玻璃镶嵌画面向不同的观众,因为艺术作品不单单只为公众的法律、训诫及权力服务,同时也越来越企图协助辨认及控制个体的情感、期望和恐惧。宗教艺术扮演如此重要的角色是源于中世纪初期,在那时教堂是唯一滋养文化,使其实践持续稳定成长的机构;就内容而言,它们环绕着旧约及新约圣经的主题,以及对生与死主题的衍生。哥特时期也是自古典时期以来宗教艺术首次显著性成长的时期。或许宗教艺术要成为独立的艺术形式需要很长的时间,但从几个关于哥特时期卓越艺术的例子中可以看出,世俗的利益似乎是在其中居主导的地位。

然而基督教“主流艺术”的主导地位,也在本不易被察觉的犹太艺术中变得更清楚。显然地,基督徒和犹太教徒雇用的是相同的艺术家,两派的艺术作品也就彼此相似。除了圣餐仪式不同外,其他的差异性普遍不大。两者间的判断准则是十分少的,因为犹太的哥特式艺术由于多次的集体屠杀而没有被保存下来,特别是1349年的那次屠杀,摧毁了许多的犹太历史遗迹。然而1998年被发现的艾福特宝藏(Erfurt Treasure),其中的艺术作品,却是在大屠杀之前就被储藏的,这是布拉格犹太区为这一地区重要的艺术提供的证据。今日从纽伦堡的城市地形仍可看出,基督教的主流文化在一定程度上是建立在摧毁犹太教的少数文化之上的。这从中世纪晚期1349年犹太区被破坏,并被市集取代而成为一座新的城市中心,同时一座纪念圣母玛利亚的教堂在犹太教区旧址被建造起来的历史就可判别。当冲突变得太普遍与极端,而且完全没有抑制的征兆时,在哥特地区上升的意愿表达就会导致明显持不同意见的人群的消失。这一趋势在16世纪破除传统的大动乱中到达暂时的顶峰。

相较于现代时期,通过15世纪中叶以活字印刷发明的凸版印刷,写作文化开始成为主流;中世纪时,它在各种创作媒介中实验并造成彼此相互较劲,以确定在这些媒介中哪些是最有效的,尤其在语言、音乐、图像和建筑学上。印刷术的发明就是这个探索的结果。它的成功在视觉艺术最终导致了实验热忱的萎靡,所以最终唯一重要的是,在印刷品也可以从中充分地叙述故事。维克多·雨果(Victor Hugo)在他于1831年所著的小说《钟楼怪人》(又译为《巴黎圣母院》,The Hunchback of Notre Dame)中,简洁地写到,巴黎圣母院的副主教福罗诺(Frollo)说:“这会杀了它(指教堂),这本书将杀死建筑。”事实上,从16世纪起,反哥特式建筑开始不胫而走,其主要论点是这个时代的艺术已经太自发又太复杂,而无法以词语及原则去理解。在16世纪,意大利画家、艺术学者乔治·瓦萨里甚至主张在欧洲民族大迁徙期间,入侵意大利的哥特人杀害古代优秀的艺术家,经过此事件后,他们只能发展劣质、缺乏学识的艺术,换句话说,就是“哥特式”风格。因此“哥特式”原来是一个贬义词。

瓦萨里及之后的许多世代都认为哥特时代在艺术中扮演的角色,只有肆无忌惮不被约束的情感,而不是规则或是客观的好品位,这样的好品位能精确地区别真正的艺术家及普通的工匠。在这背后,为了社会进步,他们渴望一个新的艺术家阶层,并受到宫廷文化的规范指导,而且最重要的目标是要成为艺术泰斗。在他的理论中,瓦萨里并未在我们称为哥特式的旧艺术和被誉为文艺复兴时期的新艺术(依照今日的区分始于15世纪)之间画出明确的分隔线。尽管如此,现今我们认为哥特时代约在1140年启蒙于法国,并在15世纪初在意大利结束,但又持续在阿尔卑斯山以北和伊比利亚半岛存留了1世纪。瓦萨里对于哥特时期的发展概况没有提供这么精准的推论;13世纪后半期的雕塑家,如皮萨尼(Pisani)和约1300年期间的画家乔托(Giotto),现今都毫无疑问地将他们划分到哥特时期,然而对他而言却是现代类型的艺术家。因为“艺术”这一概念,本身就是哥特时代方兴未艾时的一项发明,某种程度上,他对这个新的类型确实给予了肯定。因为在当时“哥特”已受到日益认可,能够以此形式为私人客户以及公共建筑进行图像创作的人,理论上都具备一定的特殊才艺,远远超出单纯工匠的技能。正因如此,建筑商、石匠、彩绘玻璃师、金匠等,都转为建筑设计师、雕塑家及不再被视为简单技术的高薪工匠,最终更成为“独立艺术家”。稍后年代中,艺术家形象逐渐获得描述并建立起来。但事实上,艺术和艺术家都是哥特时代的产物!
精彩文摘:
《巴洛克艺术》
神的剧院:宗教建筑及其装饰
巴洛克风格的教堂可以看作是某种戏剧性空间,在其中所有的艺术形式都参与了这场精彩的表演。这一点在天主教的礼拜场所中尤为明显,那里从反宗教改革以来已经变成了名副其实的神圣剧场 (theatrumsacrum) ,而强调语言作用的新教教堂在一定程度上也是如此。为震慑所有的信徒或持怀疑态度的人,教堂的建筑必须诉诸于各种感官,类似于修辞学自古以来所做的努力。朝拜者一进入教堂就会被宏伟的建筑、欢欣鼓舞的天顶画、华丽的灰泥装饰、色彩斑斓的大理石弄得目眩神迷。
但是,只有在庄严的宗教仪式过程中,伴随众多信徒的参与,教堂装饰的繁褥才真正显示出来。在巴洛克时期的宗教艺术作品中,神迹显现在大地之上生动地被表现出来。 比如, 在德国维森海里根 (Vierzehnheiligen)的朝圣教堂,供奉14位圣使徒的祭坛位于正殿的中心。礼拜者绕祭坛而行,他们成为圣徒奉献的直接目击者。圣徒由超大的贝壳雕饰支撑着,占据了教堂的重要位置。
西班牙托莱多大教堂(Toledo Cathedral)中的所谓“透视图像”(西班牙语 Transparente)提供了更为直接和惊人的表现天堂的图像。 它位于高祭坛后面, 这个高约100英尺 (30米)的建筑和雕塑历史遗迹被圣餐主题的雕刻覆盖满。拱顶上方的开口使光线得以射入。这一建筑性装饰给人留下难忘的天国印象:众多的天使与圣徒、充足的光线,全部衬托在建筑的背景中。这样的内部圣所可以看作一个回廊—这完全符合特伦托会议精神,要求普通信徒也参与神的拯救行动。教堂不仅表现天国的场景,也表现地狱的惩罚,这些戏剧性的场景都生动地展现在观众面前。最后,当然是信仰的胜利,和德国内勒斯海姆(Neresheim)教堂穹顶(见146—147页)描绘的一样,复活的基督战胜了死亡与魔鬼。将近2 000年的过程中,礼拜仪式和教堂空间慢慢演变,空间内所有固定和可移动的陈设也逐步呈现出现在看来的外观。祭坛和祭坛装饰、神龛和圣洗池、唱诗班内坛和布道坛、唱诗班席位和忏悔室,作为这个盛大演出中的不同背景,而书籍和圣餐杯、圣餐盘、耶稣受难像等礼拜用品则是演出的道具。最后,根据教会依照时历变换的法衣和祭坛布的织物成为仪式中点睛之色。此外,管风琴的声音和唱诗班令人欢欣的歌唱,在向礼拜者传达天国景象这一方面也发挥了重要作用。

修道院、宫廷和大学的图书馆
从古典时代起,用文字记录下来的知识就被存放在被特别设计的房间里,只开放给经过授权的读者。无论是羊皮卷、手抄本还是印刷的书籍,所有的作品都是值得好好收藏留存的。不管是它们的内容,还是它们精美的形式,都是无价之宝。
在中世纪时,这些图书馆主要是阅览室;而巴洛克时代,阅览室发展成了豪华的陈列厅,给它们或是凡夫俗子,或是知识分子型的拥有者带来了名誉和声望。英国哲学家弗朗西斯·培根(Francis Bacon)在 1597 年评价道:“知识就是力量”(《沉思录》),这绝非偶然。马德里附近的埃斯科里亚尔(Escorial)修道院的图书馆、米兰的安波罗修图书馆(Ambrosian Library)和巴黎的马萨林图书馆(Mazarin Library)是一系列具有高度代表性的现代图书馆的鼻祖。随着印刷书籍的迅速传播,图书馆的构造经历了建筑上的和美学上的巨大扩张。巴洛克时代的图书馆建成了装饰奢华如礼堂般的书房,它们收藏、整理并展示所有那个时期书面的和印刷的知识。 正因为如此, 它们很像宫廷的收藏室 (艺术屋),同样也被称作是“可以漫步其中的百科全书”。阅览室的布置也是为了引导读者:它以一种隐喻的图像系统揭示了知识的哲学、历史和宗教的根源,并且用绘画和雕塑将它们展示出来。那几乎望不到尽头的羊皮卷本展现为一种独立的美学存在。 与此同时, 书房中华丽的装饰刺激着读者的感官。
维也纳的奥地利国家图书馆(见 220 —221 页)在 18世纪初树立了新的标准。从那以后,阿尔卑斯山的修道院都配备了辉煌且设计精美的“知识的展厅”。它们是洛可可时期的主要作品,一般位于修道院的大餐厅中。这些图书大厅一般为两层,具有动态结构;流动的长廊让其内部形成了一种优雅的律动。相对意大利的矫饰主义传统而言,英国的拉德克里夫图书馆(Radcliffe Camera)的环形结构是一个著名的特例。


视觉的盛宴和必死命运的暗示:静物
和“风俗画”这一术语一样,在 17 世纪早期,静物画还没有作为一种绘画类别而为人所知。人们谈论的是上面有橱具、花卉、鱼类、水果以及其他东西的绘画。在荷兰,静物画的发展达到了全面的辉煌,开始分出更细的类别,比如宴会绘画(Banketjes)或者早餐画(ontbijtjes)。1650 年,在荷兰的财产清册中第一次出现了一件“静物”(Still-leven,荷兰语直译为“静止不动的自然”),证明艺术家按照(静态)的模特来描绘物体。在罗曼语区国家中,术语“死亡的自然”(natura morta)或“自然的死亡”(nature morte)开始非常知名,尽管静物画所描绘的事实上是对象潜在的生命。
在西班牙的波德格涅斯绘画中,水果、蔬菜和日用器皿都被模仿得惟妙惟肖,蕴含着伟大的艺术性。甚至在古典时代,静物也有着特别的艺术上的重要性,因为对象必须被表现得非常真实,能欺骗人的感官。传说中宙克西斯(Zeuxis)画的葡萄骗得小鸟来啄,而接下去巴哈修斯
(Parrhasius)画的布帘却连宙克西斯也被骗了。这个故事就证明了这一看法。各个时代的画家和观众都沉迷于用绘画制造幻觉的小把戏,享受对象带来的美感:中世纪细密画的首字母和边缘的两栏中,画有许多物品,包括花卉、乐器和日常用具;教堂湿壁画以一种令人惊叹的视角,在画出来的壁龛中展示了礼拜仪式的器具、昂贵家具上的镶嵌作品以及日用物品。随着现代社会的来临,这些精巧的“艺术物件”走出了次要地位, 占据了绘画的中心。 1504年, 威尼斯人雅各布·德·巴尔巴里(Jacopo de Barbari)所画的一张木板油画猎物静物被认为是最早的独立的静物画。
在 16 世纪和 17 世纪,特别是17世纪,很多画家都开始试验这种新的题材。1596—1597年,卡拉瓦乔创作了精彩的《果篮》(Basket of Fr

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